初戀紅豆冰/Ice Kacang Puppy Love

2010，Malaysia

有些滋味特別香甜，是因為太快就融化，於是我們反覆回憶那淺嘗過一次的美好。

長大的瞬間-人人心中的記憶刺點
像卡通人物一樣，明明不識飛，卻停格空中的那一時半刻，唯對當下狀態有所意識，臉上的陶醉倏轉為驚恐，才是往下急墜的開始。

此寓意也適合引伸至本片精心鋪設的情緒梯級，阿牛從小做為商業大片觀摩生，發現人在笑完之後特別容易哭，於是先領觀眾進入一個可愛昔日世界，那時生活還淳樸，心思還淺白，有人互相捉弄，有人互有好感，卻連我喜歡你都不知道怎麼說，笑鬧不斷，但如他坦言，劇情策略就是先堆積笑點，讓情緒放鬆、心防開解，最爆笑的一幕之後，劇烈轉折衝上補點，頂得觀眾柔腸寸斷。

「我很耍心機，除了一邊醞釀母女情感，還要請觀眾給我一點時間，讓我講我的心痛。」關於成長，誰不是哀傷大於喜悅多，了解的剎那，知道再也沒辦法回去了。宣傳時常被問及想藉電影表達什麼，阿牛又皺起眉頭，「很複雜、很難兩三句講完，但大家應該都看得到。」

又冰又甜-小鎮裡的夢想與童年
「本來我10幾歲時要去念電影的，結果先當了歌手。」唱歌這麼多年，阿牛始終掛記最初的夢想，這些年來他勤做的導演功課，包括在演出後台叫長髮樂手演貞子，自製翻拍《七夜怪談》，練習用畫面說故事。2008年《初戀紅豆冰》總算正式進籌備，劇本早在02、03年就動筆，啟發他講這個懷舊題材的，正是電影主題曲《純文藝戀愛》，這首80年代的老歌充溢時代氛圍，帶給阿牛豐沛靈感。

問阿牛，電影裡那碗紅豆冰在物質而非精神性上，究竟是什麼滋味，和台灣口味差別又在哪裡？他想了想，告訴我馬來西亞是個很單純的國度，民情也反應在吃食上，相較喜歡研發不同花樣的台灣，真正令他們鍾情的是幾十年不變的簡單美味，果然與青澀初戀之精髓無異，講求的是一種平實純真。

原汁原味的不只有那碗紅豆冰，電影故事、場景，皆亟力呈現阿牛及一干大馬歌手，乃至整個製片團隊親身經驗的童年：放學玩的遊戲、上小學還戒不了奶瓶的女生、開賭場的爸爸和後母被警察追著跑等等，這些都來自真人真事，唯一屬於少年幻想的私人重溫，就是那場男女主角的吻戲。

處男作超賣座-願啟馬華商業片濫觴
要30多歲的演員扮10幾歲的高中生，阿牛說服大家之前，自己也花了很大精力過心關，最後他告訴演員們，就當回到以前再年輕一次，大家也就真當工作如玩耍，片場像回到高中時代，有人彈吉他，有人圍著唱，收工後就去找老鎮裡的傳統美食。

對比演員的輕鬆快樂，導演壓力那是欲語無言，特別是《初戀紅豆冰》在沒有任何投資商的狀況下完成，拍到後期阿牛不但抵押房子，還得盡量分身去大陸接表演籌錢，青黃不接的日子裡，有次他在購物中心大鏡子看自己「好像一隻青蛙，整個人垮了，臉都垂下來。」咬緊牙撐過，後製工作又跑遍東南亞，片子在馬來西亞拍完，音樂新加坡混，畫面去泰國做，聲音再回到馬來西亞，最後在泰國Final Mix，「那時候差不多快瘋掉了」，阿牛苦笑著回想。

他並感嘆馬來西亞開國截至去年，主流商業片未超過5部，觀眾期待本土電影已久，而拍《初戀紅豆冰》的另一大收穫，是亮眼票房終於能吸引資金投入當地電影市場。談到電影，阿牛自小不改其志，不看難懂的片，也當然不會拍難懂的電影，他的影像一如他的音樂，輕盈而真摯，歡快而無晦暗色彩，「我想做主流一點，感動人、好看、有我的想法，也要賺錢，因為拍電影太貴了！」

－本文刊載於絕色奇幻報2010年8月號

安非他命/導演雲翔+男主角彭冠期白梓軒專訪

愛情的極限是哀豔

有些創作者是這樣的，其言行體氣與人生態度，嚴重如實地反映在他的作品；有些創作者以最赤裸的姿態面對世界，執迷而不悔，於是人如其片，片即其人，雲翔就是這樣一位導演。

電影故事皆非虛構，他甚至厭惡虛構，投射在銀幕上的龐大顯像來自他的真實人生，若有言荒謬者，那是因為人們畏懼過於龐大的真實。這些苦與悲之表述，不是創作者的扭捏作態，恰恰相反，他選擇面對省視，並且從自身經歷站出來，勇敢坦誠地大聲宣佈：瞧呀，這就是命運的殘忍玩笑。

安、非、他、命。這難道不是他們的命嗎？

★在您的極限3部曲裡，我們約略知道《永久居留》談生命，《安非他命》談愛情，《藝海沉生》要談的是藝術，能不能更完整地聊聊這個Project？
我覺得人生最重要就是這3樣東西，一個是生命本身，然後是愛情跟藝術。我倒過來拍，先拍最不重要的「生命」，雖然大家覺得生命不就是所有嗎？但問題在於生命非常脆弱，肯定保留不了，而且那麼短暫，不管怎麼努力相差也不是很遠，反而愛會跨越生命很長。像在《永久居留》裡我講，當我們一想起那人，他又活過來了。所以愛情比生命重要。那「藝術」呢？當生命都沒有了，愛也不再被提起，什麼還會流傳下去？可能就是真正的藝術品。有一次我在西班牙旅行，去了星空咖啡館的街口，在那愣了很長時間，我在想梵谷死了那麼久，這地方基本上是保存下來，但我相信過多一點時間它也會變成某種意義的Starbucks，始終會被潮流吞掉，但那幅畫已經變成永恆，留在太多人心裡不斷傳下去，像李白的詩過了幾千年我們仍繼續朗誦，藝術可能是我們最值得去付出的，這是我三部曲順序的意思。3部片的故事一直都在我腦海裡，《藝海沉生》會再過晚一點才拍，現在第四部片已經在做後製，第五部我估計明年會拍，是講不同文化背景的人如何處理他們人生最後一程。我把《藝海沉生》拍在第六，希望順利寫出來拍出來，我覺得它挑戰比較高。

★《安非他命》兩位主角的愛情怎麼發生？是什麼讓他們互相靠近？您覺得他們各自在尋找什麼？
Daniel(白梓軒飾)的愛比較容易理解，反正義無反顧、無論如何都是要為Kafka(彭冠期飾)，這種愛現在我覺得也有點少了，很多人會說算了，這麼麻煩這麼困難還是不要了。所以我特別想講一個不願放棄的故事，Kafka他天生不會很愛Daniel這種人，他的愛是慢慢形成的，一來由於孤獨；二來是他不斷失去，令他對愛產生一種需求；再三是他有個想法，想變成像對方那樣的人。比如說他媽媽很希望他穿西服上班，他看到一個穿西服特別好看的男生，有點自我的投射在上面，但是他要愛這個人，首先要接受非他與生俱來的愛人的方法，以接受對方來愛對方，這又是愛的另一個層面，不是很多電影會這樣假設。一個是尋找愛的對象，一個是尋找被愛的感覺，他們會走那麼近是因為共通點很多，除了很大膽願意去高空彈跳是比較象徵性的之外，他們的世界觀是相近的，儘管背景很不一樣。有人看我電影會看錯了，以為我總是在講一個很窮一個很有錢，我是要講在愛情範疇裡這絲毫不重要，我就是有意說他們很不一樣，但完全沒有影響到他們的愛情。

★Kafka這個角色在態度和情感上都非常開敞直接，包括正面全裸戲份也比另一男主角多很多，您想藉這個角色傳達些什麼？
他反正就是一個缺愛的人，遇上他認為是真正的感情他會去珍惜，在故事裡他很受藥物影響，其實我有點想講社會對人的刻板印象，比如認為一個人吸毒就一定不是好人。我覺得人有時候做的事情有命運的因素，不一定是我們的選擇，我也想描述一個雖然被毒害，但依然很純潔的靈魂。

★電影中好幾次插入金融海嘯事件的旁述，這件事對人物和故事有何影響？
第一，熟悉金融危機那段過程的朋友就會知道，這是一段很短時間內發生的故事；第二點比較重要，他們去跳高空彈跳那時，市場剛好Crash到谷底，但他們是興高采烈地去跳；然後電影後段金融危機過去、大家Party的時候，他們之間的狀況卻在懸崖上快要掉下來。我想表達的，就是兩人世界跟周遭是沒有什麼關聯的，甚至相反也無所謂，他們根本不在乎世界上發生什麼事，所以這是拿來做一個對比。

★這部片的音樂是個很強烈也很跳Tone的存在，您以往作品都對配樂特別講究，《永久居留》是請泰迪羅賓來做，這次和「人山人海」(香港獨立音樂廠牌)兩位音樂人于逸堯、何山的合作怎麼進行？
我喜歡音樂多過喜歡電影，但沒什麼機會做音樂，一方面沒有天份，我只會欣賞，完全不會創作。我每部電影的音樂我都很重視，比方第一部我買了6首歌，然後第二部找一個大師去做，那這部我認為真的是做得最好的一部，原因就是阿于(于逸堯)他本身很能Catch到電影的神髓。他看完試片，我們兩個坐著沉默了一段時間才開始講話，首先我們達成共識只用古典和電子，我跟他講這畫面已經很強烈，我不需要「配樂」，整個電影沒有音樂都可以的，所以不要去配合畫面，是要嘗試用音樂把故事另外講一次，當然比較挑戰，但我知道阿于的作曲才華，他做了第一稿給我，我聽了跟他講，我看得出你真的很用心，我很感謝，不過呢，太穩了。可能一般導演已經很難拒絕，因為很配合畫面了，但我要的不是這個。音樂搞了4個月，Kafka在引水道被人欺負那場是最難配的，畫面真的非常激烈，如果弄一些恐怖的音樂也沒有意義，完全沒有音樂又好像太白，我們最後想到辦法，就是用一個很特殊的旁觀者角度去寫，那個特別的觀眾叫做命運，命運在上面冷眼看這個事情，所以有一段好像馬戲，有一段好像大家圍著他唱歌，我也知道那段音樂跟那段戲一樣會非常受爭議，但達到了我們創作者想要的效果，音樂和電影是並行的，聽音樂等於另外感受一次電影，所以我們才決定出原聲唱片。本來阿于知道我在做《安非他命》他打算進戲院去看，結果好了，不用買票就可以看很多遍，還有錢收(笑)。他跟何山一個是Classic，一個是電子，他們也嘗試過交換寫對方的部份，他們講說如果把《安非他命》的音樂拿給黃耀明(人山人海音樂總監)聽，他未必可以聽出哪一段是誰的，因為他們有打亂來做。

★為何Daniel接機那場戲特別提到來台灣旅遊？
(笑)對呀，為什麼那時候會講到台灣？(白梓軒：就是聊天吶！)那段是即興的，劇本裡沒有寫，因為他們真的是在討論台灣。(白梓軒：因為喜歡台灣啊！) 他們在聊天，總要聊點東西，聊到台灣我覺得滿有趣的，就要了這個版本(笑)。

★拍攝前各位最擔心的是什麼？
雲翔：我自己最擔心就是拍不到跳橋，因為很難申請，它是在施工中的大橋，一旦接起來就永遠不可能再拍電影，他不給我的話，我不知道去哪跳才能達到這樣有象徵意義的畫面。
白梓軒：我最擔心是我會不會拍得不好，因為這是我最挑戰性的角色，第一部Full Length Movie所以很多壓力。
彭冠期：我第一天開工出了交通意外，拍第一場戲就摔重機，手指骨摔斷了，醫生說要打石膏起碼打三個月，出醫院我就把它拆了，直接拍戲。最挑戰就是我戴Wings跳天台，第一跳我把手指頭往下撐，那很痛很痛。好幾場我都滿擔心的，高空彈跳我不是恐懼，我擔心繩子會有什麼意外，死就死但是電影已經拍了一半，死了怎麼弄？！

★拍攝過程中經歷最Tough的一件事？
彭冠期：應該在引水道吧，其實好幾場我都覺得自己有突破，引水道那天可能是情緒上最大的衝擊吧。當天我接了電話，我爸爸在內地中風，我情緒很不好，拍完那場我就崩潰了，整個人消失，隔一天才打電話給導演。
雲翔：那天他的感覺跟我們形成非常大的落差，那是我們拍得比較滿意的一天，拍了14組鏡頭，從天亮到傍晚6點，劇組和臨演說要狂歡慶祝，因為很累而且非常趕，對演員要求也特別高，那群臨演有一半是他的朋友，我跟他們說，想他當影帝你們就要對他最壞。那段戲很難有Take 2，拍得非常緊張，我們想去慶祝的時候他就失蹤了，也沒開電話，原來他一晚上都在路上走。我也知道那段戲很不尋常，一般演員要嘛就投入不了，要嘛就抽離不了。

★剛剛說的都比較負面，拍這部片有沒有Enjoy的部份？
白梓軒：開法拉利的時候。(雲翔：神經病！)很開心，因為我開得很快，從來沒開過這麼快，很刺激。
彭冠期：跳天台很難忘，因為香港沒有演員做過，那天很冷啊，3、4度，我是全劇組唯一沒穿衣服的，所以我滿佩服自己，我跳了9次。
雲翔：電影給我最憾動的Moment剛好就是他站在欄杆上快要跳下來的時候，我在鏡頭後面看他準備起跳，突然有一種非常強烈的悲哀，我有一個衝動也想跳下去，我看到一種青春的完美，我知道於我來講已經永遠成為過去了。後來我特別把它剪到電影第一個鏡頭，當然本身也有它的意思：從生到死。我跟彭冠期講我比他大16歲，他擁有的我現在能為他留下來，我覺得是做了很有意義的事，以前都沒有人為我留下我曾經有過的美好(苦笑)。

★學識、品味、薪水，電影裡Daniel說這些是女人要的東西，那男人要的是什麼？
雲翔：This is a good question。
白梓軒：男人要…可以陪他的人，一個Partner，最重要的是Personality啦、外貌啦、Brains。
雲翔：你今天講的話比你往常講的要膚淺，我有點不認識你了。那你需要他給你自由嗎？
白梓軒：自由啊…也可以啊。(眾人驚問：不給也可以嗎？！)我覺得沒有人可以不給我Freedom，因為我要做那件事我就做，No matter who。
彭冠期：我覺得兩個人性格要合，碰到困難不離不棄，不是有本事的時候就靠近來，當難的時候就跑了。要交心交得很有默契，第一真的不能騙人；第二心地要很好，有同情心；外貌我覺得人會變老啊，心是真的對我來說比較重要。
雲翔：我覺得我滿能包容的，但要成為我的好朋友或伴侶，一定要是善良的，我沒辦法跟在我面前講別人壞話，或是要計算某人那種人交往；第二我希望他會有點獨特，當我向別人形容他的時候，會有一兩樣令我講出來很自豪。

★像Daniel和Kafka這樣的愛情是各位想追求的嗎？
白梓軒：很辛苦啊！NO！(導演大笑)
彭冠期：我說，那沒可能吧，沒那麼完美，世界上就是因為不太可能，才會想些童話故事，讓很多不幸運的觀眾去投射和Release情感吧，我不太相信。

★不像導演這麼浪漫主義嗎？
雲翔：浪漫也是因為運氣不好啊，我經歷過跟我所知比較真的愛情，都是苦的，可能是我運氣特別不好，當然希望能愛一個就一直愛到死，是不是一定要那麼苦、那麼多波折，其實我們未必有得選擇，那都是緣分。其實我電影裡的感情都是真實的，有些連對白都一樣，都是曾經發生的愛情，人生已經太多故事還沒拍成電影，根本沒必要去虛構。有些觀眾覺得故事很荒謬，他們說最不可能的卻完全是那些真的部份，比如他們說對白都不是人講的，我放給香港大學生看，她們說「我們就是這樣講話啊！」可能不同背景就不能想像別人會有不同做法，這也是現在觀眾一個通病，看電影的範圍太窄，世界觀也愈來愈萎縮。

－本文刊載於絕色奇幻報2010年8月號

父後七日/Seven Days in Heaven

2010，Taiwan

常聽聞「累到要哭爸」，原來哭爸真的這麼累！

乍聽之下片名顯得既肅穆又悲慟，心情隨即凝重了起來，接著，以台灣人的文化養成背景，會想到的下一件事，就是喪葬事宜將會有多麼細瑣與繁文縟節，彷彿還來不及感受喪痛、悼念逝者，儀式禮俗已經排山倒海來得讓人暈頭轉向。

這時候電影才剛要進正片，忽然一首熱情歡快的希伯來婚慶民謠響起，影片開場氣氛與事先預設好的莊嚴情緒大相違異，在錯愕感襲捲三小聽骨和視網膜的不久之後，好像又有一點茅塞頓開、心情有點高昂了起來：看待死亡，有沒有另一種非典型眼光？父親亡後一週之間，那會是怎樣一段時日光景？人們以什麼心態處理後事？會不會因為失去得太沉痛，只好用輕盈甚至於輕浮的態度以調和、安慰自己？

前三分之二片長，皆在描述子女回鄉治喪時，喪葬習俗之於他們的趕鴨上架，與他們之於人生巨變的茫然無措，加上異國風情音樂做襯底，使一切看來十分黑色魔幻，生死太像一場戲，人總是沒頭沒腦就被抓進去演了起來。而當我們深入注視那些本土宗教儀俗時，說不定還會帶有異文化般的獵奇眼光，外國人眼裡絕對的台灣，與台灣人眼裡不那麼熟悉的自己，這就是無論在年初的香港電影節或上個月的台北電影節中，場場放映總是笑聲比眼淚還多的《父後七日》。

哭爸團人物一覽表

道士 - 阿義
父親的遠房親戚，葬儀總指揮，看似荒誕又真誠地演繹宗教習俗，陌生亡者的最後一程由他控送，私人興趣是吟寫小詩。

道士女友 - 阿琴
能歌善舞、諳說學逗唱，婚喪喜慶到處趕場，因為只有受過哭墓的專業訊練，才能哭無目屎不掉妝。

哥哥 – 大志
克紹箕裘，和父親一起在夜市擺攤為生，性格直率又機車，比方會說父親洗腎病房裡，每人面前都有小電視，豪華得跟洗頭一樣。

妹妹 – 阿梅
回到鄉下，才從粉領階級復歸成一個女兒與妹妹，卻又立刻因父喪被強逼成為大人，並練就隨喚隨哭的高超情緒轉換技巧。

表弟 – 小莊
將數位化科技帶入傳統殯儀之中，除了提供之前為交作業而拍的家族紀錄片做為追思素材，還應用修圖技術替遺照去背合成。


－本文刊載於絕色奇幻報2010年8月號

愛你一萬年/Love You 10000 Years

2010，Taiwan

死對頭互墜情網，爆笑愛情合約！
單身者看完很想戀愛，情侶看完很想去賓館。

日本導演拍台灣國片，拍的還是台灣影史上從未出現過的「愛情爆笑喜劇」類型，不確定後無來者，但至少前無古人，導演北村豐晴相當得意，「我只想走沒人走過的路，就是要當那個唯一！」他心目中的理想喜劇典型應該是像三谷幸喜或宮藤官九郎，「不過我的風格比較KUSO，但不是刻意賣笑。」劇本裡寫實處盡量寫實，因此黃鐙輝、李伯恩等人的諧星氣質其實很受導演壓制；幻想處則盡可能誇張，但海報上的全套粉紅色西裝並不屬於任何幻想。

男主角仔仔不僅是在答應演出時，很讓導演喜出望外，拍片現場的表演更讓北村直呼驚奇，「帥的時候真的很帥，搞笑的時候讓人不敢相信他可以做到這樣。」和眾演員合作的另一個驚喜感想是，原本認定房東就是文英阿姨形象，最後選用納豆反串，「反而完全成為我想像中的角色，現在真的覺得，除了納豆沒有第二個人適合。」

《愛你一萬年》歷經重剪又重剪，北村坐在剪接室看最後成品，仍感覺少了點什麼，「後來覺得是歡眾的笑聲。這部片要等到在戲院接受大家的笑和反應，對我來說才是真正的完成。」這是一部再適合眾樂樂不過的電影，隨著故事發展，心情也會大起大落，觀眾會被逗得很開心結果卻發現被騙，而且還會如此重覆好幾次。「幹，這導演好賤！」這是導演最想聽到的稱讚，他並建議大家一定要呼朋引伴、挑選人多的場次去看，否則歡樂效果和情緒感染力就不夠到位。

對自己第一部長片的期許，就是「單身者看完很想戀愛，情侶看完很想去賓館。」講到一半，北村突然有感而發，說這部片能完成，真的要感謝焦雄屏老師和所有辛苦的工作人員。我告訴他，這個要等得獎的時候再說，然後他又爽朗地大笑了。

北村豐晴，36歲，來台已10多年，目前北藝大電影劇作研究所導演組在學中，擔任導演之餘，渾身喜感戲胞的他也經常演出電影和電視廣告(ex.雙茶花綠茶裡的黑道大哥)，大部份的晚上時間，一家人在大安區樂利路經營開幕甫滿半年的日式料理屋。

－本文刊載於絕色奇幻報2010年8月號

派翠克，1歲半？/Patrik 1,5

2008，Swenden

同志家庭的最美滿可能‧10點短評側寫

1.故事發生在居住品質人人欽羨的瑞典，主角新搬入的社區，滿足中產階級對優質居家生活的所有想像，簡直實境動態版House&Garden。
2.兩大男主角：秀外慧中的醫師Goran、半路出櫃的粗獷丈夫Sven，他們是一對想要領養小孩的Married Couple。
3.婚姻行使權該以兩人關係模式論定，而非性別取決，所有婚姻都是同一件事：信任、責任、包容、愛，不分異性戀的或同性戀的。
4.夫妻生活總有危機和考驗，Goran和Sven遇到的叫做Patrik。
5.大多數人的惡意源自於不安，Sven與Patrik惡劣相向是為了自我防衛；Sven不是魯莽的老粗，Patrik也不是天生的壞胚子。
6.先進開放如北歐，仍對異己者帶有盲目的仇視，小女孩連同性戀一詞都不認識，卻先被父母教導去厭惡。
7.同志片即使在影展這種放映場合，出現親熱鏡頭時，屢試不爽總會從觀席某處傳來意味不明的竊笑聲。
8.雖然說幸福家庭不分異同性，但我們恐怕真的很難找到一個像Goran優秀的異性戀男。
9.與其怨嘆遇不到Goran，不如自己成為Goran吧，把讚嘆的機會留給你的另一半。
10.太過份的溫柔了，全部全部，全都是愛。


－本文刊載於絕色奇幻報2010年7月號

2010台北電影節/專案策展人鴻鴻專訪

台北電影節自2007年第九屆至今，策展選片招致許多負面聲浪，今年首開先例特設「專案策展人」一職，由劇場/電影導演鴻鴻擔任，無疑是帶來體制外的觀點，期許更多品味碰撞，鴻鴻不視之為燙手山芋，他認為批評是好事，但仍要有人跳下去做，且政府出資有其先天限制，「有的片一聽是北市文化局主辦，就以不喜歡官方色彩為由回絕；也有的因為官方出資就開出天價。」

策展和當導演很像，並非一件全然浪漫之事，鴻鴻有感道：「不是說你有多棒的想法，而是你面對現實的困境如何把想法迂迴地完成。」劇場創作者跨足影展工作，眾所期待他如何激活電影節「跨界」概念，他提及當代藝術的重點便是融合，跨出菁英主義去和更多階層交流，影展有很多外延的可能性，專題精緻化以及開啟更完整深入的溝通，是鴻鴻欲扮演的角色功能，也是他呵護台北電影節的方式。

★在參與策展之前，做為一個長年忠實觀眾，您對台北電影節有何期望和想像？
北影完全是官方文化局出錢，要求市民影展、雅俗共賞、照顧各族群需要，我覺得比起金馬可以年輕化一點，它有個使命是城市文化交流，過去11年可以做的大城大國都做完了，接下來一定會做到對影展來講比較冷門、不熟悉的第三世界。今年做巴西是個挑戰，台灣從沒做過拉美國家大的回顧跟交流專題，我覺得這是電影節應該做的事，不能都只看大國片。台北電影節其實跟金馬一樣，我一直都覺得電影太多，因為必須符合不同觀眾需要而必須選到那麼多，有點可惜，有些在文化上能做更深度交流的影片，卻來放兩場就走了，就算看到很有感覺也沒什麼討論空間，片子太多，一起看過的人相對來說減少，台灣媒體也不是可以討論藝術的地方，所有電影媒體都八卦化。

★參與過程中帶有什麼目標或使命感？
這次我參與片量也很難減少，文化局有業績壓力，但我覺得這是迷思，應該要教育全民去改過來，現在能看到電影的管道那麼多，影展就是要放那些地方看不到、更另類有獨特性，或更值得大家一起看一起討論的Issue，我試圖在這次抓出重點先跟媒體合作，做話題引導，像《印刻》上期阮玲玉專題，或像田中絹代就代表日本電影史，去年日本盛大做她所有回顧，可是我問辦公室裡沒有人聽過她，所以電影教育是要傳承的；我也想把文學界的作家召喚回來，這幾年所有影展都想做行銷，但副刊已經拒絕跟影展合作了，合作不完而且報紙通常要拿錢，電影節以往沒有這一塊預算，覺得有發新聞、上綜藝版就好，我用零預算的方式執行，邀請一些作家，用他們的名字打動副刊，寫的不見得是影評，完全可以從個人觀點出發，副刊就比較願意接受，談到聯副「作家看電影」系列、人間副刊登整篇導演專訪。我真的還蠻羨慕歐洲大媒體的做法，我自己在法國待過，他們不一定要大師片，只要有話題或社會意義可談，都會做深入採訪，我印象最深是《不可能的任務》第一集，導演是Brian De Palma，他在法國是作者導演，雖然拍很多娛樂片，但有非常清楚的個人風格，他們做了De Palma的專訪，全世界做MI都是做Tom Cruise，誰會管導演是誰，只有法國人會從他過往作品去分析這次他又做了什麼，哪些主題是連結的，哇我看了真是覺得了不起！電影版就應該這樣做！所以這次我蠻希望能達到這個效果，讓話題在媒體上先曝光，等到影展大家會用不一樣的眼光跟心情來參加，而不只是「又多了100部片挑個5部來看一下」這種無可無不可的心理。

★您認為60年代巴西新電影的背景對比台灣社會，情境上有哪些連結？
60年代巴西新電影真的很猛，在美學、現實切入點、政治批判上都是，你看《死神安東尼》和《恍惚的土地》就知道了，我看後者時真的被嚇到，它是在戒嚴時期拍的，但可以那麼細膩地講政治鬥爭，雖然寄託是個寓言，但誰看都知道這是巴西，視覺風格也非常強烈，表演非常風格化，或是像《再見巴西》那個導演這次來了3部片，他的東西非常狂野，看起來很娛樂很好玩，但後面都有很深刻的文化意識跟巴西主體性認同，真的都是藝術家深思熟慮在拍電影的。社會最高壓時壓出巴西新電影，可是台灣是在解嚴前社會鬆動的時候，1982年第一部《光陰的故事》，到了83、84年滿街都是遊行了，所以才會導致87年解嚴嘛，台灣新電影跟小劇場幾乎是同時起來的，都是社會浮動的產物，可是巴西不一樣，它是60年代開始戒嚴、軍人政變，藝術家非常苦悶，啊對，他們其實像6、70年代台灣現代文學，陳映真啊、七等生啊、王禎和啊，透過文學表達抗議，巴西新電影比較像那種做法，濃稠度非常高，藝術性也很強，因為沒辦法太直接批判，所以轉化成很多隱喻，現在看來還是很有力道，巴西電影藝術家跟社會現實的關係，我覺得跟台灣新電影時期到現在的精神都非常接近，我看電影常常不只是看一個故事而已，我常可以感受到很多生活經驗是共同的。

★80後的影展觀眾可以怎麼理解或怎麼去產生情感上的連結？
我覺得他們無法理解，所以巴西當代這個部分，我們盡量用好玩的東西去包裝，他們音樂、舞蹈、視覺本來就很強，像《音浪潮滿天》、《嘻哈少女成功記》希望用音樂吸引觀眾。有部《惡女部落格》其實拍得非常棒，女主角超厲害，我看她就想到《陽陽》張榕容一個人撐完整部電影的力道，講的也是非常當代的議題，但宣傳上難免會說這部片很養眼(笑)，女主角一開始就全裸5分鐘之類的。

★這屆台北電影節在跨界交流上設計了現場配樂和辯士，請您稍微談談這個部份，以及這對電影來說是不是絕對的加分？
幫默片加配樂其實不是加分而是還原，當年所有默片都是有現場音樂的，現在看沒有音樂的默片其實只看到一半，所以我希望能更完整的呈現，以前電影在大城市放映都會請樂團，所以跟北市交合作一場；然後在小戲院放映就是一兩個樂手，所以我們請黃思農跟蔣韜做一場；到了更偏遠的地方可能沒有樂手、大家都是文盲，字卡看不懂，所以需要辯士去講故事劇情。這次我們3種都做，就是全面去展示當時默片放映的狀況，這也沒有跨界那麼了不起啦，就是電影該怎麼放就怎麼放，是一個觀影品質吧。

★以您劇場文化人的角度來看，電影放映還有什麼新可能？
我覺得電影可以有外延效應，大家看的應該不只是作品本身，每個作品誕生出來都有很多周圍因素，真要完整陳設的話，也要一起做文化講座，甚至巴西為什麼變金磚四國，應該要有經濟講座、要有巴西足球的討論，如果片量能減少三分之一，把錢拿來做這些我會覺得更有意義，現在電影節的格局跟文化局的走向還不太能這樣做，我這次參與發現很多是經費問題，不是沒有想法，我一直是諮詢委員，我想我之後會提關於大方向的轉變。

★相信您本身一定很偏好藝術風格強烈的影片，本屆台北電影節最合您胃口的是哪些？請選個三部好了。
那就《淚之高原》吧，兩個導演合拍的，他們去年就有一部片來，叫《幻之草原》是拍蒙古，男導演之前有部片來紀錄片雙年展，那時我就非常讚嘆。這是說兩個瑞士人跑到安地斯山脈拍當地民情，可是一點都沒有那種異國情調和獵奇眼光，而是很誠懇地用當地風俗文化、神話、象徵技巧去拍，藝術性很高，議題性也很強，它講現代文明對自然原始的汙染，用高度象徵化的形式，其實有點Over但實在太美了，我心目中的藝術電影就是這種。

然後…好，《人生自選曲》這部片看起來非常樸素，2001年我的《人間喜劇》跑去蒙特婁參展，在那裡看到這部片，我回來一直鼓吹大家去邀但沒有下文，幸好這次做巴西專題，一次把導演一輩子拍的就這三部片全部邀來，《人生自選曲》不是那麼炫的電影，不像《淚之高原》看幾個鏡頭就會被它的美感嚇到，它像布列松的電影一樣簡單乾淨，所有人的表演都有點木訥，可是用來講這題材真是恰到好處，這女孩子從鄉下到市鎮來，一直默默服從別人對她的要求，被說應該結婚，就努力試著去愛上一個人，當了新娘結果又被拋棄，最後她默默覺悟了，開始過想過的生活，我覺得片名取得真好，這世界上你要選擇過很個人方式的生活已經愈來愈難，整個主流洗腦會不斷告訴你怎樣才是理想幸福，所以我看了非常感動，這種樸素的拍攝方式正好跟主角性情完全相和，是非常高段的藝術，而且真的是經過人生歷練的導演才拍得出來，已經不需要去炫耀或取悅任何人了，雖然她片子一出來都到處得大獎，但就是10幾年才有辦法籌到資金拍新片，但是她沒有違背自己，那就值得了。

再一部高度藝術性那就選《南方安逸》好了，這個就是炫技啦，年輕導演讓你心服口服的炫技，每場戲都是360度旋轉一圈結束，不管室內室外，所有人物走位非常自然巧妙地配合攝影機運動，一般對電影形式不敏感的觀眾不會覺得有什麼特別，但稍微敏感一點的人就會整個被嚇到，這樣的速度跟朝外環視的眼光，非常能夠表達一個沒落的有錢家族和人際關係崩毀的過程，題材不算新，維斯康堤已經拍得很厲害了，但這種拍法讓你看到他的細膩和導演的眼光，當他這樣拍一定有很多東西要割捨，不能一直放在鏡頭裡，這種緩慢運動正好讓你感受到時光流逝，整個世界慢慢變化，算是形式跟內容高度配合的電影，表演也很精彩。

★針對絕色奇幻報的年輕高中生讀者，有哪些片您願意特別推薦給他們？
有有有，《第8回合愛上你》，蠻社會議題的但並不那麼沉重，很容易進入人物心理，第一場戲女主角就失業，離婚後也沒辦法撫養小孩，片名是說她跟鄰居一共相遇8次，最後真的談了戀愛，這兩人狀況都不好，鄰居也被掃地出門，等於是兩個邊緣人在漂泊狀況中不經意地相遇，每次相遇兩人又更慘，最後即使那麼慘，還是有愛的可能，而愛好像就是悲慘生活一個很棒的救贖，它是一個很不動聲色的愛情片，沒有脫衣服、擁抱、接吻這些陳腔濫調，最後字幕開始Roll的時候你會突然覺得，哇這是一個好棒的愛情！我覺得太了不起，從來沒看過愛情電影這樣拍。

好還有《親親小鬼頭》我超愛，這是一個非常爆笑的家庭劇，小孩子超會演，年輕爸媽帶小孩到海邊度假，結果媽媽看上一個猛男，猛男看上爸爸，爸爸後來也覺得同志沒什麼不好，我覺得父母跟小孩那種角力關係每天都在發生，拍得非常傳神，我一看就超有共鳴的，這是一部可以從頭笑到尾的電影，獻給所有對家庭不滿的小孩。

還有《第三種溫暖》是三段式的電影，一方面表現屬於都市生存的艱辛，另一方面那種現代生活的荒謬感拍得非常好笑，而且是三種不同的好笑，這也算城市行銷電影的一種啦，大陸演員很厲害，搞笑的時候就像《瘋狂的賽車》、《瘋狂的石頭》那種超爆笑，看了可以理解現在小市民的而不是傳說中的上海是什麼樣子。


－本文刊載於絕色奇幻報2010年7月號