就是那顆壓在男主角右手上的石頭，讓人從志得意滿、俯瞰一切的高傲，一翻成了仰望生命之光的卑微低姿態，那時候，你會脆弱到開始認為人生所有事件都是註定的，慘況早就在這等著你，從出生至今做過的千百萬個選擇都引領你走到這一步；同時你也會堅強到能夠體認自己不是孤獨的，而是為所有人所共同成就，每時每刻都有愛包圍著你，只是平時你選擇忽略。
所以不要問石頭怎麼出現，也不必去防備那顆石頭，讓它來，讓它像改變艾倫羅斯頓(Aron Ralston)一樣，像他因受難而獲得重生，大破才有大立，這麼解讀，倒也與《奪魂鋸》在理念上不謀而合。
此種建構在單人受困形式上的電影，令人記憶猶新的還有《活埋》(Buried，2010)和《絕命鈴聲》(Phone Booth，2001)。《活埋》更加徹底地實踐「一演員一主景」的超低成本拍攝，雖然探討主題是光明進取的完全反面；而《絕命鈴聲》同樣以反省、懺悔為軸，但柯林法洛只不過在市中心的電話亭裡待上區區幾小時，還有話筒裡的兇嫌陪他聊天，詹姆斯法蘭柯可是一人在荒野岩縫中獨撐大局127個小時，受傷流血挨餓挨凍，甚至得一人分飾二角自拍以自娛，完整的受災心路歷程在演技上更勝一籌。
詹姆斯法蘭柯這兩年從《自由大道》(Milk，2008)、《怒吼》(Howl，2010)一直到《127小時》，密集揣摩各領域真實人物，為自己的演藝生涯打下更深厚的詮演功力，滿心期待他28日在奧斯卡頒獎典禮上和安海瑟薇搭檔主持，當然也樂見他當晚能一舉從主持台走向領獎台，拿回本屆影帝大獎。
話說回頭，這部片最初仍是為了導演丹尼鮑伊而看，即使除去故事內涵、運鏡敘事這些他從不讓人失望的拿手絕活，光談比較細微的部份，像是剪接、音效、配樂上每每互相搭配的巧思，就令觀影新鮮感不減，而電影開頭，以目不暇給之城市風景，與大型連鎖店招牌剪影帶出的美式風情，不妨視為繼《貧民百萬富翁》(Slumdog Millionaire，2008)的印度血統後，又一次文化元素上的橫向拓展。
－本文刊載於大人物迷電影【電影吞食部】專欄
2011-02-23
神話與隱喻‧女人如此難為─《不，我的女兒，你不能去跳舞》
導演克里斯多夫歐諾黑Christophe Honore，他和我們前兩週提及的李滄東一樣是作家出身(但Honore以童書為主)，歷年作品光譜中有些一以貫之的成份，例如歌謠香頌，《巴黎小情歌》(Les chansons d'amour，2007)是最佳例證，而與該片合稱「冬季三部曲」的《花都圓舞曲》(Dans paris，2006)、《巴黎小情人》(La belle personne，2008)，這3部前作的另一項共同元素，是以巴黎城市地景為電影主角之一，簇擁著俊美公子小姐與他們氾濫的愛情。
應該是這些原因讓《不，我的女兒，你不能去跳舞》(Non ma fille, tu n'iras pas danser，2009)閃現略為特殊的色澤，本片離開都市，大量取景於布列塔尼；舊作裡熟習的年輕男女三角戀難題，這次衍生為全家庭間更大的困局，更具體也更狠心地反應現實。不過歐諾黑拍片還是愛用班底，除了女主角Chiara Mastroianni (看起來是否好眼熟？是的，因為她是凱薩琳丹妮芙Catherine Deneuve之女)外，無論如何連串門子都要出現的就是路易卡瑞Louis Garrel了。也是回顧整理中，才發現在我自己的法片狂潮期，無意間幾乎已經看過歐諾黑每部片，既不炫技也不晦澀的中庸(但非平庸)質地，極適合作為當代法國電影入門，也因量產和可親度而被冠上「法國新新浪潮代表導演」之稱號。
故事本身呢，一句話：做人的掙扎。不，是做女人的掙扎，非常非常忠實的掙扎。
Lena有一雙兒女，婚姻破局後她帶孩子投靠娘家，布列塔尼的老家有雙親與妹弟，倫常不很和睦，最緻密的關係是父母，相較子女之間，以及他們各自的婚姻狀態，父母的恩愛是高對比令人仰望的明燈，儘管這盞明燈肯定是誰付出了代價來點燃，但，這不就是選擇嗎。從第一幕我們就看得出Lena本身即是個麻煩，具有把生活搞砸的天份，無論是當女兒、姊妹、妻子，還是母親，她都是拙劣的、任性的、抗拒成為的，她並沒有真正長大，對自己無能為力，更何況應付其它關係，她做任何決定總是反反覆覆，在原地跳著繞圈的舞，自由和責任皆無法拋，兩者也都做不好，很有把人逼瘋的潛力，這時星座偏執者想必會跳出來大聲疾呼：看吶，這就是典型的雙魚座。但更恐怖的是我們指摘她步步踏錯，又理性論斷那些錯，卻不敢篤定自己會不會同樣犯錯。
電影中段突如其來插入了一齣神話劇，描述女子挑選一位能與她永遠共舞的男子做為丈夫，但無人可勝任，女子的慾望只為他人招來厄運，男人在舞蹈中一個接一個暴斃，沒有誰滿足得了她，直到魔鬼出現，這正是電影後半段Lena讓生活走向破滅的預言。歐諾黑的電影從不乏文學性，這回使上的便是神話引用與故事講述之隱喻。
－本文刊載於大人物迷電影【電影吞食部】專欄
應該是這些原因讓《不，我的女兒，你不能去跳舞》(Non ma fille, tu n'iras pas danser，2009)閃現略為特殊的色澤，本片離開都市，大量取景於布列塔尼；舊作裡熟習的年輕男女三角戀難題，這次衍生為全家庭間更大的困局，更具體也更狠心地反應現實。不過歐諾黑拍片還是愛用班底，除了女主角Chiara Mastroianni (看起來是否好眼熟？是的，因為她是凱薩琳丹妮芙Catherine Deneuve之女)外，無論如何連串門子都要出現的就是路易卡瑞Louis Garrel了。也是回顧整理中，才發現在我自己的法片狂潮期，無意間幾乎已經看過歐諾黑每部片，既不炫技也不晦澀的中庸(但非平庸)質地，極適合作為當代法國電影入門，也因量產和可親度而被冠上「法國新新浪潮代表導演」之稱號。
故事本身呢，一句話：做人的掙扎。不，是做女人的掙扎，非常非常忠實的掙扎。
Lena有一雙兒女，婚姻破局後她帶孩子投靠娘家，布列塔尼的老家有雙親與妹弟，倫常不很和睦，最緻密的關係是父母，相較子女之間，以及他們各自的婚姻狀態，父母的恩愛是高對比令人仰望的明燈，儘管這盞明燈肯定是誰付出了代價來點燃，但，這不就是選擇嗎。從第一幕我們就看得出Lena本身即是個麻煩，具有把生活搞砸的天份，無論是當女兒、姊妹、妻子，還是母親，她都是拙劣的、任性的、抗拒成為的，她並沒有真正長大，對自己無能為力，更何況應付其它關係，她做任何決定總是反反覆覆，在原地跳著繞圈的舞，自由和責任皆無法拋，兩者也都做不好，很有把人逼瘋的潛力，這時星座偏執者想必會跳出來大聲疾呼：看吶，這就是典型的雙魚座。但更恐怖的是我們指摘她步步踏錯，又理性論斷那些錯，卻不敢篤定自己會不會同樣犯錯。
電影中段突如其來插入了一齣神話劇，描述女子挑選一位能與她永遠共舞的男子做為丈夫，但無人可勝任，女子的慾望只為他人招來厄運，男人在舞蹈中一個接一個暴斃，沒有誰滿足得了她，直到魔鬼出現，這正是電影後半段Lena讓生活走向破滅的預言。歐諾黑的電影從不乏文學性，這回使上的便是神話引用與故事講述之隱喻。
－本文刊載於大人物迷電影【電影吞食部】專欄
2011-02-10
生根的東西‧要注意─《樹上的父親》
這是2010坎城影展閉幕片，導演是凱薩獎新銳導演得主，主演是2009坎城影后，再配備海報上那位剛入圍澳洲影評人協會獎最佳女配角的9歲小蘿莉，一臉精靈慧黠相，雖有些台詞略顯超齡，卻也讓她比影后還搶鏡，由衷看好她成為下一個娜塔莉波曼，至於夏洛特甘絲柏，我想《撒旦的情與慾》(Antichrist，2009)之後，演繹喪夫的悲傷母親，對她來說已是太游刃有餘。全片調子質樸素雅，甚至因為場景在澳洲的緣故，即使所有人物說著軟儂法語，竟也微妙散發法國電影少見的爽朗乾燥感。
好多年前，女主角Dawn(夏洛特甘絲柏飾)和老公Peter在酒吧相遇，他們很年輕就結了婚，住在大榕樹旁的木造房屋，Dawn從沒在外工作過，一直是相夫教子的家庭主婦，他們育有4個孩子，大的要考大學了，最小的是牙牙學語的3歲。乍見片名，想問的可能是「父親在樹上幹嘛？」然而開場不過15分鐘，他的身體就死在樹下，是魂魄附上了樹，不過別驚怕，本片沒有要使弄鬼魅來嚇人的意思，樹只是孤兒寡母的情感轉移與寄託。老公猝死後，女兒Simone帶著媽媽爬上樹和爸爸「對話」，母女倆都堅信，男主人的存在只是從室內挪移到室外，繼續在那守望全家。
父靈樹矗立屋旁，象徵了未亡人的傷痛及難以忘懷，母女愈是依賴它，它也愈想朝家人靠近似的，吸取他們情感的養份後益發躁動起來，樹的繁盛也意味著悲情陷溺，哀慟會長大，樹根開始侵入房屋，對一家生活造成影響，甚至破壞，生根的東西都既美麗又危險，看著遺孀出外工作並邂逅新男人的它，也對此做出了「表示」，種種徵兆，實是家人們內心不安的外顯對應，是大樹/父靈在提醒他們終究得割捨，必須得離開…
私心但誠懇地說，片中音樂比影像更令人驚豔，特別是開頭處，搭配行進中的原野風光響起了這首「Weak」，來自Asaf avidan & the mojos樂團之作，看完電影再細聽一次，以下這段歌詞尤其可謂意境上的極美補完：
Heal baby heal
Take all the time you will
I never thought I'd say this but I'm letting go of the bill
I don’t wanna see
Your face here no more
Still that doesn't mean that I'm shutting the door
Oh I'm just a tree
My leaves are with her
But my roots are with thee
要是死後可以當樹的話，好像並不比活著差。
－本文刊載於大人物迷電影【電影吞食部】專欄
好多年前，女主角Dawn(夏洛特甘絲柏飾)和老公Peter在酒吧相遇，他們很年輕就結了婚，住在大榕樹旁的木造房屋，Dawn從沒在外工作過，一直是相夫教子的家庭主婦，他們育有4個孩子，大的要考大學了，最小的是牙牙學語的3歲。乍見片名，想問的可能是「父親在樹上幹嘛？」然而開場不過15分鐘，他的身體就死在樹下，是魂魄附上了樹，不過別驚怕，本片沒有要使弄鬼魅來嚇人的意思，樹只是孤兒寡母的情感轉移與寄託。老公猝死後，女兒Simone帶著媽媽爬上樹和爸爸「對話」，母女倆都堅信，男主人的存在只是從室內挪移到室外，繼續在那守望全家。
父靈樹矗立屋旁，象徵了未亡人的傷痛及難以忘懷，母女愈是依賴它，它也愈想朝家人靠近似的，吸取他們情感的養份後益發躁動起來，樹的繁盛也意味著悲情陷溺，哀慟會長大，樹根開始侵入房屋，對一家生活造成影響，甚至破壞，生根的東西都既美麗又危險，看著遺孀出外工作並邂逅新男人的它，也對此做出了「表示」，種種徵兆，實是家人們內心不安的外顯對應，是大樹/父靈在提醒他們終究得割捨，必須得離開…
私心但誠懇地說，片中音樂比影像更令人驚豔，特別是開頭處，搭配行進中的原野風光響起了這首「Weak」，來自Asaf avidan & the mojos樂團之作，看完電影再細聽一次，以下這段歌詞尤其可謂意境上的極美補完：
Heal baby heal
Take all the time you will
I never thought I'd say this but I'm letting go of the bill
I don’t wanna see
Your face here no more
Still that doesn't mean that I'm shutting the door
Oh I'm just a tree
My leaves are with her
But my roots are with thee
要是死後可以當樹的話，好像並不比活著差。
－本文刊載於大人物迷電影【電影吞食部】專欄
李滄東：生命的叩問者─《薄荷糖》、《生命之詩》
介紹過一些由文學作品改編的電影，這在影壇稀鬆平常，但是當作家當了半輩子，43歲才改行拍電影可就少見了，更別提此人拍了3部片後，還曾經出走過16個月的時間，不是去哪閉關，而是去政府部門當官！這位文化奇葩是南韓導演李滄東，儘管人們多半認定文字寫作和影像創作是徹頭徹尾兩碼子思維，我們卻在中年換跑道的李滄東身上看見最漂亮的轉身，總算可以放心地相信，書寫也好，拍片也好，手段僅屬次要，創作者之所以令人心悅誠服，終歸於其深刻的思想內蘊，李滄東無疑是南韓當代社會寫實與人道關懷流派中，匾額級的扛壩子導演，目前他共有5部作品問世，本週推薦的這兩部，結尾皆不約而同回到影片的起始處，圈成一個圓，在平靜中繼續深思，電影如此，生命亦然。
薄荷糖(Peppermint，2000)
仿若《戀戀風塵》的開場鏡頭後，又劈頭迎來的是投資慘賠、朋友背信、妻離子散，潦倒已至谷底18層的中年男子，求死前不斷質問吶喊著：「生命是美麗的嗎？我好想回去！」回去哪裡？什麼樣的經歷把他逼到這最後一步？沒有人可以回應他的遺願，除了電影。
於是觀眾開始見證他的人生一步步倒帶，幾天前、幾年前、二十年前，每段人生回放裡，行駛的火車畫面，像句咒語召喚著過去，以此做為「時光列車」之喻，也因為火車行進的曖昧雙向性，藉著事件的解構，前因後果才得以被拼湊。本片別出心裁的敘事結構和生命史觀，幽處尋秘般將人生倒反來看，只是一次次的追溯好似一次次的印證，如此殘酷的對照與呼應，豈不更顯悲劇之必然？
生命之詩(Poetry，2010)
已患阿茲海默症初期病徵的老婦，她連事物名稱都偶爾會忘記，卻突發奇想開始學習寫詩，學習用逐漸喪失的語言，捕捉那些難以具體描述的生命元素，又因為同住的外孫和同學共犯一起性侵案，讓她不得不從焦頭爛額的艱困中苦尋美的靈感。
這是李滄東最新，也是首部正式在台灣上映的電影，他曾對自己的創作觀提出「所有痛苦都有意義」之闡明，本片在以老婦嘗試寫詩的主題與過程中，尤其落實了此一信念，所謂詩，是對生命情感更深度的咀嚼、更凝練的表述，是化極度的傷悲為極致的美，老婦的身體因病痛邁向衰敗，靈魂卻因觸及藝術而開化提升，故事雖以隔代教養、青少年犯罪為舖底基線，實則更聚焦在女性自覺乃至生命的醒覺，贏得坎城影展最佳劇本獎，絕對實至名歸。
－本文刊載於大人物迷電影【電影吞食部】專欄
薄荷糖(Peppermint，2000)
仿若《戀戀風塵》的開場鏡頭後，又劈頭迎來的是投資慘賠、朋友背信、妻離子散，潦倒已至谷底18層的中年男子，求死前不斷質問吶喊著：「生命是美麗的嗎？我好想回去！」回去哪裡？什麼樣的經歷把他逼到這最後一步？沒有人可以回應他的遺願，除了電影。
於是觀眾開始見證他的人生一步步倒帶，幾天前、幾年前、二十年前，每段人生回放裡，行駛的火車畫面，像句咒語召喚著過去，以此做為「時光列車」之喻，也因為火車行進的曖昧雙向性，藉著事件的解構，前因後果才得以被拼湊。本片別出心裁的敘事結構和生命史觀，幽處尋秘般將人生倒反來看，只是一次次的追溯好似一次次的印證，如此殘酷的對照與呼應，豈不更顯悲劇之必然？
生命之詩(Poetry，2010)
已患阿茲海默症初期病徵的老婦，她連事物名稱都偶爾會忘記，卻突發奇想開始學習寫詩，學習用逐漸喪失的語言，捕捉那些難以具體描述的生命元素，又因為同住的外孫和同學共犯一起性侵案，讓她不得不從焦頭爛額的艱困中苦尋美的靈感。
這是李滄東最新，也是首部正式在台灣上映的電影，他曾對自己的創作觀提出「所有痛苦都有意義」之闡明，本片在以老婦嘗試寫詩的主題與過程中，尤其落實了此一信念，所謂詩，是對生命情感更深度的咀嚼、更凝練的表述，是化極度的傷悲為極致的美，老婦的身體因病痛邁向衰敗，靈魂卻因觸及藝術而開化提升，故事雖以隔代教養、青少年犯罪為舖底基線，實則更聚焦在女性自覺乃至生命的醒覺，贏得坎城影展最佳劇本獎，絕對實至名歸。
－本文刊載於大人物迷電影【電影吞食部】專欄
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